Roosevelt Sykes • The Last Laugh

 

Memphis Slim • Sings The Blues - EP

 

Biography by Bill Dahl

An amazingly prolific artist who brought a brisk air of urban sophistication to his frequently stunning presentation, John "Peter" Chatman -- better known as Memphis Slim -- assuredly ranks with the greatest blues pianists of all time. He was smart enough to take Big Bill Broonzy's early advice about developing a style to call his own to heart, instead of imitating that of his idol, Roosevelt Sykes. Soon enough, other 88s pounders were copying Slim rather than the other way around; his thundering ivories attack set him apart from most of his contemporaries, while his deeply burnished voice possessed a commanding authority.

As befits his stage name, John "Peter" Chatman was born and raised in Memphis; a great place to commit to a career as a bluesman. Sometime in the late '30s, he resettled in Chicago and began recording as a leader in 1939 for OKeh, then switched over to Bluebird the next year. Around the same time, Slim joined forces with Broonzy, then the dominant force on the local blues scene. After serving as Broonzy's invaluable accompanist for a few years, Slim emerged as his own man in 1944.

After the close of World War II, Slim joined Hy-Tone Records, cutting eight tracks that were later picked up by King. Lee Egalnick's Miracle label reeled in the pianist in 1947; backed by his jumping band, the House Rockers (its members usually included saxists Alex Atkins and Ernest Cotton), Slim recorded his classic "Lend Me Your Love" and "Rockin' the House." The next year brought the landmark "Nobody Loves Me" (better known via subsequent covers by Lowell Fulson, Joe Williams, and B.B. King as "Everyday I Have the Blues") and the heartbroken "Messin' Around (With the Blues)."

The pianist kept on label-hopping, moving from Miracle to Peacock to Premium (where he waxed the first version of his uncommonly wise down-tempo blues "Mother Earth") to Chess to Mercury before staying put at Chicago's United Records from 1952 to 1954. This was a particularly fertile period for the pianist; he recruited his first permanent guitarist, the estimable Matt Murphy, who added some serious fret fire to "The Come Back," "Sassy Mae," and "Memphis Slim U.S.A."

Before the decade was through, the pianist landed at Vee-Jay Records, where he cut definitive versions of his best-known songs with Murphy and a stellar combo in gorgeously sympathetic support (Murphy was nothing short of spectacular throughout).

Slim exhibited his perpetually independent mindset by leaving the country for good in 1962. A tour of Europe in partnership with bassist Willie Dixon a couple of years earlier had so intrigued the pianist that he permanently moved to Paris, where recording and touring possibilities seemed limitless and the veteran pianist was treated with the respect too often denied even African-American blues stars at home back then. He remained there until his 1988 death, enjoying his stature as expatriate blues royalty.

https://www.allmusic.com/artist/memphis-slim-mn0000421122/biography

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Biografía de Bill Dahl

Un artista increíblemente prolífico que trajo un aire de sofisticación urbana a su presentación frecuentemente impresionante, John "Peter" Chatman -más conocido como Memphis Slim- seguramente se encuentra entre los mejores pianistas de blues de todos los tiempos. Fue lo suficientemente inteligente como para seguir los primeros consejos de Big Bill Broonzy sobre el desarrollo de un estilo para llamar a los suyos propios, en lugar de imitar al de su ídolo, Roosevelt Sykes. Muy pronto, otros de 88 libras copiaron a Slim en lugar de hacerlo al revés; su estruendoso ataque de marfiles lo separó de la mayoría de sus contemporáneos, mientras que su voz profundamente bruñida poseía una autoridad dominante.

Como corresponde a su nombre artístico, John "Peter" Chatman nació y creció en Memphis; un gran lugar para comprometerse a una carrera como bluesista. A finales de los años 30, se reubicó en Chicago y comenzó a grabar como líder en 1939 para OKeh, para luego cambiar a Bluebird al año siguiente. Más o menos al mismo tiempo, Slim unió fuerzas con Broonzy, que entonces era la fuerza dominante en la escena blues local. Después de servir como el inestimable acompañante de Broonzy durante unos años, Slim emergió como su propio hombre en 1944.

Después del final de la Segunda Guerra Mundial, Slim se unió a Hy-Tone Records, cortando ocho temas que luego fueron recogidos por King. El sello Milagro de Lee Egalnick se hizo con el sello del pianista en 1947; respaldado por su banda de saltos, The House Rockers (entre sus miembros se encontraban los saxos Alex Atkins y Ernest Cotton), Slim grabó sus clásicos "Lend Me Your Love" y "Rockin' the House". El año siguiente trajo el hito "Nobody Loves Me" (más conocido por las siguientes portadas de Lowell Fulson, Joe Williams y B.B. King como "Everyday I Have the Blues") y el desolado "Messin' Around (With the Blues)" (Messin' Around (With the Blues)).

El pianista se mantuvo en la etiqueta-hopping, pasando de Miracle a Peacock a Premium (donde enceró la primera versión de su inusualmente sabia blues de down-tempo "Mother Earth") a Chess to Mercury antes de quedarse en el Chicago's United Records desde 1952 hasta 1954. Este fue un período particularmente fértil para el pianista; reclutó a su primer guitarrista permanente, el estimable Matt Murphy, quien agregó un poco de grave preocupación a "The Come Back", "Sassy Mae" y "Memphis Slim U.S.A.".

Antes de que terminara la década, el pianista llegó a Vee-Jay Records, donde cortó versiones definitivas de sus canciones más conocidas con Murphy y un combo estelar con un magnífico apoyo simpático (Murphy fue nada menos que espectacular en todo momento).

Slim exhibió su mentalidad perpetuamente independiente al dejar el país para siempre en 1962. Una gira por Europa en asociación con el bajista Willie Dixon un par de años antes había intrigado tanto al pianista que se mudó permanentemente a París, donde las posibilidades de grabación y gira parecían ilimitadas y el veterano pianista fue tratado con el respeto que se le negaba con demasiada frecuencia, incluso a las estrellas del blues afroestadounidense en casa en ese entonces. Permaneció allí hasta su muerte en 1988, disfrutando de su estatura como expatriado de la realeza del blues.

https://www.allmusic.com/artist/memphis-slim-mn0000421122/biography

Martin Pyrker • Return To Blues + It's Whoopie

 

Austrian blues musician and pianist, born 27 August 1954 in Vienna, Austria.


www.martinpyrker.at ...

 

Milt Buckner • More Chords

 

Milton Brent Buckner was born in St. Louis on July 19, 1915. His little brother Ted, who should not be confused with their distant relative, Texas born trumpeter Teddy Buckner, was destined to become a saxophonist with the Jimmie Lunceford Orchestra (where he actually recorded with Teddy in 1939) and an R&B and Motown sessionman. Milt's parents, who encouraged him to learn to play piano, both died when he was nine years old. The two orphans were sent to Detroit where they were adopted by members of the Earl Walton Orchestra; Milt studied piano from age ten to thirteen with his uncle John Tobias (Walton's trombonist), and began writing arrangements for the band at the age of fifteen. While studying at the Detroit Institute of Arts he performed with Mose Burke & the Dixie Whangdoodles and the Harlem Aristocrats. After drummer and bandleader Don Cox hired him in 1932, Buckner began to develop a uniquely percussive technique employing parallel tonal patterns, later referred to as "block chords," a style now associated with Oscar Peterson and George Shearing. During the '30s Buckner also worked in groups led by Jimmy Raschelle, Lanky Bowman, and Howard Bunts. His first big break came in 1941 when he became Lionel Hampton's staff arranger and assistant director. His predilection for rocking rhythms and boogie-woogie fit nicely with Hamp's approach to entertainment. Buckner worked with Hampton during the years 1941-1948 and 1950-1952.

Buckner's earliest recordings survive as a set of piano solos etched into Presto transcription acetates cut on the last day of August 1941. His next appearance in a studio was as a member of a small group led by Lionel Hampton backing young Dinah Washington on her recording debut in December 1943; these feisty, blues based performances were made available to the public on Harry Lim's Keynote label. In 1945 Buckner made records with saxophonist Herbie Fields, Ellington crooner Herb Jeffries and R&B shouter Wynonie Harris, including Harris' smash hit, a cover of Lionel Hampton and Curley Hamner's highly successful "Hey! Ba-Ba-Re-Bop." In 1946 he made the first of a series of recordings with a group variously billed as the Beale Street Boys, the Beale Street Gang, and the Hot Shots. Over the next three years Buckner led a series of dates for the Savoy label. In 1949 he made records with a big band for MGM, sat in on an Eddie Condon Floorshow with drummer Buddy Rich and tap-dancer Baby Laurence on NBC TV, and conducted Teddy Stewart's Orchestra behind Dinah Washington on a date for Mercury records.

In 1950 Buckner recorded with the Three Flames for MGM, with singer Florence Wright for National, with Wynonie Harris for Vogue records, with Rufus Thomas ("Mr. Swing") for the Bullet label in Memphis, and with vocalist Mabel Scott and saxophonists Eddie "Cleanhead" Vinson, Buddy Tate and Wild Bill Moore for King. It was during the Moore session that Buckner first switched from piano to organ. He trundled it out again in Houston TX during the spring of 1952 while backing vocalist Sonny Parker with Gladys Hampton's Blue Boys for Peacock records. Milt recorded for the Scooter, Regent and Brunswick labels, and jammed with saxophonist Charlie Parker in 1953 at the bandbox in New York City. He sat piano for the Imperials (with Willie Dixon playing bass) on a Great Lakes session that took place in Detroit during the spring of 1954. Buckner also visited Philadelphia over the summer to record a few tunes with guitarist Big Ham Williams and drummer Sam Woodyard which were issued on 20th Century records, a subsidiary of the Gotham label.

Milt Buckner was a Capitol recording artist from April 1955 through July 1957, sharing the studio with saxophonists Earle Warren and Sam Taylor, guitarists Everett Barksdale and Skeeter Best, bassist Milt Hinton and drummers Osie Johnson and Shadow Wilson. He taped his first Argo LP in New York in December 1959 with guitarist Kenny Burrell and bassist Joe Benjamin. More Argo sessions came together in Chicago in 1960 and 1961, and he had dealings with the Bethlehem label in Cincinnati in 1962 and 1963. In March 1966 a performance with saxophonist Illinois Jacquet was taped live at Lennie's on the turnpike in West Peabody, MA and subsequently released on the Cadet label.

Like many U.S. jazz musicians who struggled at home and did better abroad, Milt Buckner clearly preferred the cultural and vocational climate in Europe. Over the 11 years that remained in his life, he only returned to North America for brief concert and club bookings — five times to the U.S. and twice to Canada. Beginning in 1966 with his first Parisian session in the company of Illinois Jacquet and trumpeter Roy Eldridge, Buckner's discography indicates a more stable working environment involving skilled musicians and appreciative audiences. Milt Buckner's final decade of professional activity is mostly measured in recordings issued on the Black & Blue label, with the exception of a few Prestige, Jazz Odyssey and Riff releases.

Buckner made music in Paris, Villingen, Boulogne, Cologne, Antwerpen, Lausanne, Biarritz, Barcelona, Toulouse, London, Herouville, Valauris, Besancon, Geneva, Salon, Yverdon, Nice, Scheveningen and Leiden. His session mates included multi-instrumentalist Clarence "Gatemouth" Brown, trumpeters Buck Clayton, Joe Newman, Johnny Letman and Bill Coleman; trombonist Gene "Mighty Flea" Connors; saxophonists Ben Webster, Candy Johnson, Eddie Chamblee, Hal Singer, Lucky Thompson, Big Nick Nicholas, Marcel Zanini, Guy Lafitte, Arnett Cobb, Buddy Tate, Eddie "Lockjaw" Davis and Illinois Jacquet; pianists André Persiany, Jean-Paul Amouroux and Jay McShann; guitarist Al Casey; bassists Milt Hinton, Major Holley and Roland Lobligeois as well as vocalists Jodie Drake, Little Mary Anglade and Big Joe Turner. Buckner's last studio session took place in Paris on July 4, 1977. Three weeks later, on Wednesday July 27, he collapsed and died after setting up his Hammond organ in preparation for a performance with Illinois Jacquet at the Jazz Showcase in Chicago.

 

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Milton Brent Buckner nació en St. Louis el 19 de julio de 1915. Su hermano pequeño Ted, que no debe confundirse con su pariente lejano, el trompetista Teddy Buckner, nacido en Texas, estaba destinado a ser saxofonista de la Orquesta Jimmie Lunceford (donde en realidad grabó con Teddy en 1939) y un sesionista de R&B y Motown. Los padres de Milt, que lo animaron a aprender a tocar el piano, murieron cuando tenía nueve años. Los dos huérfanos fueron enviados a Detroit donde fueron adoptados por miembros de la Earl Walton Orchestra; Milt estudió piano desde los diez a los trece años con su tío John Tobias (el trombonista de Walton), y comenzó a escribir arreglos para la banda a la edad de quince años. Mientras estudiaba en el Instituto de Artes de Detroit actuó con Mose Burke & the Dixie Whangdoodles y los Harlem Aristocrats. Después de que el baterista y director de la banda Don Cox lo contrató en 1932, Buckner comenzó a desarrollar una técnica de percusión única que empleaba patrones tonales paralelos, más tarde conocidos como "acordes de bloque", un estilo que ahora se asocia con Oscar Peterson y George Shearing. Durante los años 30, Buckner también trabajó en grupos dirigidos por Jimmy Raschelle, Lanky Bowman y Howard Bunts. Su primera gran oportunidad llegó en 1941 cuando se convirtió en el arreglador y asistente de dirección de Lionel Hampton. Su predilección por los ritmos de rock y el boogie-woogie encajaba bien con el enfoque de Hamp en el entretenimiento. Buckner trabajó con Hampton durante los años 1941-1948 y 1950-1952.

Las primeras grabaciones de Buckner sobreviven como un conjunto de solos de piano grabados en acetatos de transcripción Presto cortados el último día de agosto de 1941. Su siguiente aparición en un estudio fue como miembro de un pequeño grupo liderado por Lionel Hampton que apoyaba a la joven Dinah Washington en su debut discográfico en diciembre de 1943; estas actuaciones de lucha, basadas en el blues, se pusieron a disposición del público en el sello Keynote de Harry Lim. En 1945 Buckner grabó con el saxofonista Herbie Fields, el cantante de Ellington Herb Jeffries y el gritador de R&B Wynonie Harris, incluyendo el gran éxito de Harris, una portada de Lionel Hampton y el muy exitoso "Hey! Ba-Ba-Re-Bop" de Curley Hamner. En 1946 hizo la primera de una serie de grabaciones con un grupo llamado Beale Street Boys, Beale Street Gang y Hot Shots. Durante los siguientes tres años Buckner lideró una serie de fechas para el sello Savoy. En 1949 grabó con una gran banda para MGM, participó en un espectáculo de Eddie Condon Floorshow con el baterista Buddy Rich y el bailarín de claqué Baby Laurence en la NBC TV, y dirigió la Orquesta de Teddy Stewart detrás de Dinah Washington en una cita para Mercury records.

En 1950 Buckner grabó con los Three Flames para MGM, con la cantante Florence Wright para National, con Wynonie Harris para Vogue records, con Rufus Thomas ("Mr. Swing") para el sello Bullet en Memphis, y con la vocalista Mabel Scott y los saxofonistas Eddie "Cleanhead" Vinson, Buddy Tate y Wild Bill Moore para King. Fue durante la sesión de Moore que Buckner cambió por primera vez del piano al órgano. Lo hizo de nuevo en Houston TX durante la primavera de 1952 mientras apoyaba al vocalista Sonny Parker con los discos Blue Boys de Gladys Hampton para Peacock. Milt grabó para los sellos Scooter, Regent y Brunswick, y tocó con el saxofonista Charlie Parker en 1953 en el bandbox de Nueva York. Se sentó al piano para los Imperiales (con Willie Dixon tocando el bajo) en una sesión de los Grandes Lagos que tuvo lugar en Detroit durante la primavera de 1954. Buckner también visitó Filadelfia durante el verano para grabar algunos temas con el guitarrista Big Ham Williams y el baterista Sam Woodyard que fueron publicados en 20th Century records, una subsidiaria del sello Gotham.

Milt Buckner fue un artista de grabación del Capitolio desde abril de 1955 hasta julio de 1957, compartiendo el estudio con los saxofonistas Earle Warren y Sam Taylor, los guitarristas Everett Barksdale y Skeeter Best, el bajista Milt Hinton y los bateristas Osie Johnson y Shadow Wilson. Grabó su primer LP de Argo en Nueva York en diciembre de 1959 con el guitarrista Kenny Burrell y el bajista Joe Benjamin. Más sesiones de Argo se reunieron en Chicago en 1960 y 1961, y tuvo tratos con el sello Bethlehem en Cincinnati en 1962 y 1963. En marzo de 1966 se grabó en directo una actuación con el saxofonista Illinois Jacquet en Lennie's en la autopista de West Peabody, MA, y posteriormente se publicó en el sello Cadet.

Al igual que muchos músicos de jazz de los Estados Unidos que lucharon en su país y se desempeñaron mejor en el extranjero, Milt Buckner claramente prefirió el clima cultural y vocacional de Europa. Durante los 11 años que le quedaban de vida, sólo regresó a América del Norte para hacer breves reservas de conciertos y clubes: cinco veces a los Estados Unidos y dos al Canadá. A partir de 1966, con su primera sesión parisina en compañía de Illinois Jacquet y el trompetista Roy Eldridge, la discografía de Buckner indica un entorno de trabajo más estable en el que participan músicos capacitados y un público agradecido. La última década de actividad profesional de Milt Buckner se mide sobre todo por las grabaciones publicadas en el sello Black & Blue, con la excepción de algunos lanzamientos de Prestige, Jazz Odyssey y Riff.

Buckner hizo música en París, Villingen, Boulogne, Colonia, Amberes, Lausana, Biarritz, Barcelona, Toulouse, Londres, Herouville, Valauris, Besancon, Ginebra, Salón, Yverdon, Niza, Scheveningen y Leiden. Entre sus compañeros de sesión se encontraban el multiinstrumentista Clarence "Gatemouth" Brown, los trompetistas Buck Clayton, Joe Newman, Johnny Letman y Bill Coleman; el trombonista Gene "Mighty Flea" Connors; los saxofonistas Ben Webster, Candy Johnson, Eddie Chamblee, Hal Singer, Lucky Thompson, Big Nick Nicholas, Marcel Zanini, Guy Lafitte, Arnett Cobb, Buddy Tate, Eddie "Lockjaw" Davis y Illinois Jacquet; los pianistas André Persiany, Jean-Paul Amouroux y Jay McShann; el guitarrista Al Casey; los bajistas Milt Hinton, Major Holley y Roland Lobligeois, así como los vocalistas Jodie Drake, Little Mary Anglade y Big Joe Turner. La última sesión de estudio de Buckner tuvo lugar en París el 4 de julio de 1977. Tres semanas después, el miércoles 27 de julio, se desplomó y murió después de montar su órgano Hammond en preparación para una actuación con Illinois Jacquet en el Jazz Showcase de Chicago.

 

Christian Bleiming • Piano-Blues & Boogie-Woogie

 

 

German blues and boogie pianist from Münster, born in 1960.


http://www.bleiming.de/

Don Ewell • Denver Concert with Barbara Dane

 

The 15 tunes (69 min.) on this CD were recorded live in concert in Denver, Colorado, in 1966. Six of the numbers have never been previously released; the rest were originally released on LP on the Pumpkin record label. Don Ewell plays stride piano, strongly influenced by Jelly Roll Morton and Fats Waller. The repertoire on the CD is based on compositions by the great stride pianists Jelly Roll Morton, Fats Waller and Earl Hines.Don Ewell did not do much recording and therefore, as prominent jazz journalist Alun Morgan says: "We are fortunate to have this (CD) representing Don Ewell at his best." Ewell, himself, was very pleased that night in Denver, Colorado; everything was right:the atmosphere, the piano, the recording and, not least of all - the band and the music. Besides being a great stride piano player, Ewell could definitely play the blues - just listen to his version of "See See Rider" on this CD
https://www.storyvillerecords.com/products/don-ewell-denverconcert-with-barbara-dane-1018379

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Los 15 temas (69 min.) de este CD fueron grabados en directo en un concierto en Denver, Colorado, en 1966. Seis de los números no se han publicado nunca antes; el resto se publicaron originalmente en LP en el sello Pumpkin. Don Ewell toca el piano stride, fuertemente influenciado por Jelly Roll Morton y Fats Waller. El repertorio del CD se basa en composiciones de los grandes pianistas de stride Jelly Roll Morton, Fats Waller y Earl Hines.Don Ewell no hizo muchas grabaciones y por ello, como dice el destacado periodista de jazz Alun Morgan: "Tenemos la suerte de tener este (CD) que representa a Don Ewell en su mejor momento". El propio Ewell estaba muy satisfecho aquella noche en Denver, Colorado; todo estaba bien: el ambiente, el piano, la grabación y, sobre todo, la banda y la música. Además de ser un gran pianista de stride, Ewell podía definitivamente tocar blues - sólo hay que escuchar su versión de "See See Rider" en este CD
https://www.storyvillerecords.com/products/don-ewell-denverconcert-with-barbara-dane-1018379


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Big Tiny Little • Honky Tonk Piano

 

Real Name: Dudley "Tiny" Little, Jr.
Profile: Born: Worthington, Minnesota (USA) August 31, 1930
Died: Carson City, Nevada (USA) March 3, 2010

"Big" Tiny Little was an American musician who appeared on The Lawrence Welk Show from 1955 to 1959. His primary instrument was the piano, becoming both a honky-tonk, ragtime pianist and playing other instruments such as the organ, bass horn and bass fiddle.

Son of the prominent musician and bandleader, Tiny Little Sr.
https://www.discogs.com/artist/1548303-%22Big%22-Tiny-Little

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Nombre real: Dudley "Tiny" Little, Jr.
Perfil: Nació: Worthington, Minnesota (EE.UU.) el 31 de agosto de 1930
Murió: en Carson City, Nevada (EE.UU.) el 3 de marzo de 2010

"Big" Tiny Little fue un músico estadounidense que apareció en The Lawrence Welk Show de 1955 a 1959. Su instrumento principal era el piano, convirtiéndose en un pianista de honky-tonk y ragtime y tocando otros instrumentos como el órgano, el cuerno bajo y el violín bajo.

Hijo del destacado músico y director de banda Tiny Little Sr.
https://www.discogs.com/artist/1548303-%22Big%22-Tiny-Little

Memphis Slim • At the Village Gate

 

Hadda Brooks • Swingin' The Boogie

Pianista y compositora, llamada la Reina del Boogie, toca como pocos el Boogie Woogie, siendo altamente recomendable para los que gustan del género.

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Pianist and composer, called the Queen of Boogie, plays like few Boogie Woogie, being highly recommended for those who like the genre.

Jay McShann • In Copenhagen

 

 

Review by Ken Dryden
Jay McShann is pretty much unaccompanied for the first half of this delightful 1977 studio session, almost as if he is reminiscing for an audience of one about the busy days on the 1930s Kansas City music scene. The pianist, equally at home in jazz and blues, sings on quite a few numbers, including the loping "Ace in the Hole" (a favorite for any rural joint with gambling as part of the entertainment) and the old chestnut "How Long Blues." The CD reissue of the original LP expanded to include other songs from the same session that were issued on an album by Fessor's Big City Band, including trombonist Ole "Fessor" Lindgreen and tenor saxophonist Steen Vig, but make no mistake, McShann isn't the sideshow but the star attraction on the group numbers.
https://www.allmusic.com/album/in-copenhagen-mw0001686661

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Reseña de Ken Dryden
Jay McShann está casi solo en la primera mitad de esta encantadora sesión de estudio de 1977, casi como si estuviera recordando para el público uno de los días más ocupados de la escena musical de Kansas City en los años 30. El pianista, que se siente igual de cómodo en el jazz y el blues, canta en bastantes números, incluyendo el loping "Ace in the Hole" (un favorito para cualquier antro rural con el juego como parte del entretenimiento) y el viejo castaño "How Long Blues". La reedición del CD del LP original se amplió para incluir otras canciones de la misma sesión que se publicaron en un álbum de la Big City Band de Fessor, incluyendo al trombonista Ole "Fessor" Lindgreen y al saxofonista tenor Steen Vig, pero no se equivoquen, McShann no es la atracción secundaria sino la estrella de los números del grupo.
https://www.allmusic.com/album/in-copenhagen-mw0001686661


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Llyod Glenn • After Hours

 

Biography by Bill Dahl
As an integral behind-the-scenes fixture on the L.A. postwar blues scene, pianist/arranger/A&R man Lloyd Glenn had few equals. His rolling ivories anchored many of Lowell Fulson's best waxings for Swing Time and Checker, and he scored his own major hits on Swing Time with the imaginative instrumentals "Old Time Shuffle Blues" in 1950 and "Chica Boo" the next year. Glenn was already an experienced musician when he left the Lone Star state for sunny California in 1942. His early sessions there included backing T-Bone Walker at the 1947 Capitol date that produced the guitarist's immortal "Call It Stormy Monday." Glenn recorded for the first time under his own name the same year for Imperial with his band, the Joymakers, which included guitarist Gene Phillips, saxist Marshall Royal, and singer Geraldine Carter.

Massively constructed guitarist Tiny Webb introduced Glenn to Swing Time owner Jack Lauderdale in 1949, inaugurating Glenn's five-year stint as A&R man at the firm. After Swing Time's demise, the pianist moved to Aladdin Records, issuing more catchy instrumentals for Eddie Mesner's firm through 1959. There was also an isolated session for Imperial in 1962 that produced "Twistville" and "Young Date." The pianist remained active into the '80s, often touring as Big Joe Turner's accompanist.
https://www.allmusic.com/artist/lloyd-glenn-mn0000276243/biography

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Biografía de Bill Dahl
El pianista/arreglista/representante Lloyd Glenn fue un elemento fundamental de la escena del blues de posguerra en Los Ángeles, y tuvo pocos iguales. Sus marfiles rodantes anclaron muchos de los mejores enceres de Lowell Fulson para Swing Time y Checker, y consiguió sus propios éxitos importantes en Swing Time con los imaginativos instrumentales "Old Time Shuffle Blues" en 1950 y "Chica Boo" al año siguiente. Glenn ya era un músico experimentado cuando dejó el estado de la Estrella Solitaria para ir a la soleada California en 1942. Sus primeras sesiones allí incluyeron el respaldo a T-Bone Walker en la fecha de Capitol de 1947 que produjo el inmortal "Call It Stormy Monday" del guitarrista. Glenn grabó por primera vez con su propio nombre ese mismo año para Imperial con su banda, los Joymakers, que incluía al guitarrista Gene Phillips, al saxofonista Marshall Royal y a la cantante Geraldine Carter.

El guitarrista Tiny Webb presentó a Glenn al propietario de Swing Time, Jack Lauderdale, en 1949, inaugurando la etapa de cinco años de Glenn como hombre de A&R en la empresa. Tras la desaparición de Swing Time, el pianista se trasladó a Aladdin Records, donde publicó más instrumentales pegadizos para la empresa de Eddie Mesner hasta 1959. También hubo una sesión aislada para Imperial en 1962 que produjo "Twistville" y "Young Date". El pianista permaneció activo hasta los años 80, a menudo de gira como acompañante de Big Joe Turner.
https://www.allmusic.com/artist/lloyd-glenn-mn0000276243/biography

Ralph Sutton • In Copenhagen

Artist Biography

Ralph Sutton was the greatest stride pianist to emerge since World War II, with his only close competitors being the late Dick Wellstood and the very versatile Dick Hyman. Nearly alone in his generation, Sutton kept alive the piano styles of Fats Waller and James P. Johnson, not as mere museum pieces but as devices for exciting improvisations. Although sticking within the boundaries of his predecessors, Sutton infused the music with his own personality; few could match his powerful left hand. Ralph Sutton played with Jack Teagarden's big band briefly in 1942 before serving in the Army. After World War II he appeared regularly on Rudi Blesh's This Is Jazz radio show and spent eight years as the intermission pianist at Eddie Condon's club, recording frequently. He spent time playing in San Francisco, worked for Bob Scobey, moved to Aspen in the mid-'60s, and became an original member of the World's Greatest Jazz Band with Yank Lawson, Bob Haggart, and Bud Freeman. In the 1970s, he recorded many exciting albums for the Chaz label and then cut albums for quite a few labels. Despite suffering a stroke in the early '90s, Sutton kept a busy schedule through the mid-'90s, playing at jazz parties and festivals.

He died suddenly on December 29, 2001, in his car outside a restaurant in Evergreen, CO. Although he would have received much greater fame if he had been born 20 years earlier and come to maturity during the 1930s rather than the 1950s, at the time of his death it was obvious that Ralph Sutton had earned his place among the top classic jazz pianists of all time.

by Scott Yanow

https://www.allmusic.com/artist/ralph-sutton-mn0000389980/biography

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Biografía del artista

Ralph Sutton fue el mejor pianista de zancadas que ha surgido desde la Segunda Guerra Mundial, siendo sus únicos competidores cercanos el difunto Dick Wellstood y el muy versátil Dick Hyman. Casi solo en su generación, Sutton mantuvo vivos los estilos de piano de Fats Waller y James P. Johnson, no como meras piezas de museo sino como dispositivos para emocionantes improvisaciones. Aunque se mantuvo dentro de los límites de sus predecesores, Sutton infundió a la música su propia personalidad; pocos podían igualar su poderosa mano izquierda. Ralph Sutton tocó brevemente con la gran banda de Jack Teagarden en 1942 antes de servir en el ejército. Después de la Segunda Guerra Mundial apareció regularmente en el programa de radio This Is Jazz de Rudi Blesh y pasó ocho años como pianista del intermedio en el club de Eddie Condon, grabando con frecuencia. Pasó un tiempo tocando en San Francisco, trabajó para Bob Scobey, se mudó a Aspen a mediados de los 60, y se convirtió en miembro original de la Banda de Jazz más grande del mundo con Yank Lawson, Bob Haggart y Bud Freeman. En los años 70, grabó muchos álbumes emocionantes para el sello Chaz y luego cortó álbumes para bastantes sellos. A pesar de sufrir un derrame cerebral a principios de los 90, Sutton mantuvo una apretada agenda hasta mediados de los 90, tocando en fiestas y festivales de jazz.

Murió repentinamente el 29 de diciembre de 2001, en su coche fuera de un restaurante en Evergreen, CO. Aunque habría recibido mucha más fama si hubiera nacido 20 años antes y llegado a la madurez durante los años 30 en lugar de los 50, en el momento de su muerte era obvio que Ralph Sutton se había ganado su lugar entre los mejores pianistas de jazz clásico de todos los tiempos.

por Scott Yanow

https://www.allmusic.com/artist/ralph-sutton-mn0000389980/biography

 

 

VA • Can't Stop Playing That Boogie

Infectious collections of boogie woogie piano ever released.

Artists featured include Chas (Mr. Boogie Woogie) Hall, Albert Ammons, Maurice Rocco, Billy Penrose, Forrest Sykes, Montana Taylor, Mr.Freddy Shayne, Cecil Grant, Jimmy Yancey, Meade Lux Lewis, Pete Johnson, Oscar Peterson, Sammy Price and many more.

 

 

 

Fats Domino • Fats Domino Swings

 

A genial and prolific musician, Fats Domino was the most commercially successful of a long line of New Orleans rhythm-and- blues pianists and vocal performers. Coming to prominence at the dawn of rock and roll in the middle 1950s, Domino is often named as one of that music's originators and classic figures. He was a gifted and entirely self-taught composer who parlayed his multiple talents into a long period of popularity with music fans of all races, and he stands perhaps as the most enthusiastic exponent of the Crescent City's great musical tradition.

Fats Domino was born Antoine Domino on February 26, 1928, in New Orleans, one of nine children. His father played the violin, and a relative, Harrison Verrett, was a well-known New Orleans guitarist who would later become a fixture of Fats's band. Verrett taught him to play the piano at the age of nine by means of instructional marks written on a piano's keys, and within a few years Domino immersed himself in music, quitting school at age 14 to work by day and play piano in the city's bars and small clubs by night. At some time during his early career, his five-foot-five-inch, two-hundred-pound frame gave rise to the nickname “Fats.”

Domino cut his teeth as a performer in the midst of rich pianistic and vocal traditions; he likely heard and performed with such legends as Professor Longhair and Amos Milburn as a young man. He mastered a variety of piano styles, developed an infectious vocal style that avoided the hard-edged intensity of some of his bluesier contemporaries, and began to write songs. By 1949 he had a regular slot at a club called the Hideaway, where the influential New Orleans trumpeter, bandleader, and composer Dave Bartholomew heard Domino play a blues of his own creation called “The Fat Man”: the lyric opened with the lines, “They call me the Fat Man/'Cause I weigh two hundred pounds.” Bartholomew had connections with the fast-growing independent West Coast record label Imperial, and the two musicians recorded Bartholomew's arrangement of “The Fat Man” in 1950. By 1953 it was claimed to have sold one million copies.

Domino followed up “The Fat Man” with a string of other rhythm-and-blues hits, including “Rockin' Chair,” “Please Don't Leave Me,” and “Goin' Home,” which reached number one on rhythm-and-blues charts in 1952. When the rock and roll phenomenon exploded in 1955 with the introduction of Elvis Presley and Chuck Berry to a mass audience, Imperial was ready with its own star. It was no surprise that Domino's “Ain't That a Shame” went to the number 16 position on the pop charts in 1955. “I'm in Love Again” and “Blueberry Hill” did even better on the pop charts the following year, reaching the pop Top Ten. For the next seven years Domino enjoyed a long string of hits that reached high chart levels. Many of them—- “I'm Walkin',” “Walkin' to New Orleans,” and “I Want to Walk You Home” among them—-are among rock and roll's canon of classics, part of the repertoire of many a cover band.

“Ain't That a Shame” offers a good example of the style that made Domino so popular. The structure is based on rhythmic figures simple enough to be instantly memorable, yet subtle in the way that only the Caribbean- leaning musicians of New Orleans could make them, the song showcased Domino's pleasant Louisiana drawl. Its refrain (”Ain't that a shame—my tears fell like rain ...”) offered a hint of rueful humor and a romantic theme that avoided the raw sexuality present in the lyrics of some of Domino's contemporaries. Bartholomew's arrangement displayed the tight horn section of Domino's talented band to maximum advantage.

The creative partnership of Domino and Bartholomew deserves notice in the realm of composition as well, for the pair wrote virtually all of Domino's major hits. Domino never learned to read music, and into the 1980s Bartholomew was still closely involved in his career.

Domino's string of hits was brought to an end by the influx of British rock music that began with the Beatles in 1963 and 1964, and by the innovations of American black musicians who responded to the “British Invasion” with creative new styles in such centers as Detroit and Memphis. He returned briefly to the public eye with a cover of the Beatles' “Lady Madonna” in 1968, but otherwise contented himself with indefatigable touring; his performances were notable for the way they kept to Domino's original style and sound, offering listeners a glimpse of his New Orleans-based music in its purest form. He became a successful fixture of Nevada's casinos, toured Europe (where he had always enjoyed immense popularity) several times in the late 1970s and 1980s, and in 1993 released a holiday album, “Christmas Is a Special Day.” He claimed that he was not making a comeback, since he had never stopped performing.

Deserved honors began to flow his way, after more than 20 gold records; inducted into Rock and Roll Hall of Fame, 1986; Grammy Lifetime Achievement Award, 1987; Rhythm & Blues Foundation Pioneer Award, 1995; National Medal for the Arts, 1998.

Few musicians have made good music sound so easy, so effortless as Fats, and that's best appreciated in an exhaustive compilation, such as the box set “Walking to New Orleans,” (EMI 2002) because the sheer scope of Fats' accomplishment becomes stunning only at this scale. Sure, it's easy to appreciate the brilliance of Domino on a hits collection, but the true scope of his accomplishments becomes clear on a set like this, since there's not a bad cut among these 100 tracks. This is a compilation of his legendary Imperial recordings.

Fats Domino in 2005 rose again to international prominence in the wake of hurricane Katrina. He refused to leave his home in the Lower Ninth Ward of New Orleans and was listed as missing and presumed dead. He was rescued and sent to a shelter and was reunited with his family, but lost everything in his home. But Fats would come back.

Fats Domino was the first artist to be announced as scheduled to perform at the 2006 Jazz & Heritage Festival, although he was too ill to perform and was only able to offer the audience an on-stage greeting. Domino also released an album “Alive and Kickin'” in early 2006 to benefit the Tipitina's Foundation, which supports indigent local musicians.

Fats Domino returned to stage on May 19th, 2007 at Tipitina's at New Orleans performing to a full house. A foundation has been formed and a show is being planned for Domino and the restoration of his home.A double cd “Goin' Home A Tribute to Fats Domino,” was released the same year, with proceeds going to assist Fats.

Fats Domino is a Living Legend! There is a life sized statue of him in the French Quarter of New Orleans, where he is acknowledged and respected for his contribution to music for over half a century.

 James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/fatsdomino

Note:
Domino died on October 24, 2017, at his home in Harvey, Louisiana, at the age of 89, from natural causes, according to the coroner's office.
On June 25, 2019, The New York Times Magazine listed Fats Domino among hundreds of artists whose material was reportedly destroyed in the 2008 Universal fire.

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Un músico genial y prolífico, Fats Domino fue el más exitoso comercialmente de una larga lista de pianistas de rhythm-and-blues e intérpretes vocales de Nueva Orleans. Al llegar a la prominencia en los albores del rock and roll a mediados de la década de 1950, Domino es a menudo nombrado como uno de los creadores y figuras clásicas de esa música. Fue un compositor dotado y completamente autodidacta que utilizó sus múltiples talentos en un largo período de popularidad entre los aficionados a la música de todas las razas, y es quizás el exponente más entusiasta de la gran tradición musical de Crescent City.

Fats Domino nació Antoine Domino el 26 de febrero de 1928, en Nueva Orleans, uno de los nueve hijos. Su padre tocaba el violín, y un pariente, Harrison Verrett, era un conocido guitarrista de Nueva Orleans que más tarde se convertiría en miembro de la banda de Fats. Verrett le enseñó a tocar el piano a la edad de nueve años mediante marcas de instrucción escritas en las teclas del piano, y en pocos años Domino se sumergió en la música, dejando la escuela a los 14 años para trabajar de día y tocar el piano en los bares y pequeños clubs de la ciudad por la noche. En algún momento de su carrera, su marco de 1,80 m y 1,80 m dio lugar al apodo de "Fats".

Domino se cortó los dientes como intérprete en medio de las ricas tradiciones pianísticas y vocales; probablemente escuchó y actuó con leyendas tales como el Profesor Longhair y Amos Milburn cuando era joven. Dominó una variedad de estilos de piano, desarrolló un estilo vocal contagioso que evitó la intensidad de algunos de sus contemporáneos más blueseros y comenzó a escribir canciones. Para 1949 tenía un lugar regular en un club llamado el Hideaway, donde el influyente trompetista, director de banda y compositor de Nueva Orleans Dave Bartholomew escuchó a Domino tocar un blues de su propia creación llamado "The Fat Man": la letra se abría con las líneas, "Me llaman el Hombre Gordo/ porque peso doscientas libras". Bartholomew tenía conexiones con el creciente sello discográfico independiente de la costa oeste, Imperial, y los dos músicos grabaron el arreglo de Bartholomew de "The Fat Man" en 1950. En 1953 se afirmó que había vendido un millón de copias.

Domino siguió a "The Fat Man" con una serie de otros éxitos de rhythm-and-blues, incluyendo "Rockin' Chair", "Please Don't Leave Me" y "Goin' Home", que alcanzó el número uno en las listas de rhythm-and-blues en 1952. Cuando el fenómeno del rock and roll explotó en 1955 con la presentación de Elvis Presley y Chuck Berry a un público masivo, Imperial estaba listo con su propia estrella. No fue una sorpresa que "Ain't That a Shame" de Domino llegara al número 16 de las listas de pop en 1955. "I'm in Love Again" y "Blueberry Hill" lo hicieron aún mejor en las listas de pop al año siguiente, alcanzando el Top Ten del pop. Durante los siete años siguientes, Domino disfrutó de una larga serie de éxitos que alcanzaron altos niveles en las listas de éxitos. Muchos de ellos - "I'm Walkin'", "Walkin' to New Orleans" y "I Want to Walk You Home" entre ellos - están entre el canon de clásicos del rock and roll, parte del repertorio de muchas bandas de covers.

"Ain't That a Shame" ofrece un buen ejemplo del estilo que hizo a Domino tan popular. La estructura está basada en figuras rítmicas lo suficientemente simples como para ser instantáneamente memorables, pero sutiles en la forma en que sólo los músicos de tendencia caribeña de Nueva Orleans podían hacerlas, la canción mostraba el agradable atractivo de Domino en Louisiana. Su estribillo ("Ain't that a shame-my tears fell like rain...") ofrecía un toque de humor rudo y un tema romántico que evitaba la cruda sexualidad presente en las letras de algunos de los contemporáneos de Domino. El arreglo de Bartolomé mostraba la sección de trompa de la talentosa banda de Domino al máximo.

La asociación creativa de Domino y Bartholomew merece ser notada en el reino de la composición también, ya que la pareja escribió virtualmente todos los grandes éxitos de Domino. Domino nunca aprendió a leer música, y en los años 80 Bartholomew todavía estaba muy involucrado en su carrera.

La serie de éxitos de Domino llegó a su fin por la afluencia de la música rock británica que comenzó con los Beatles en 1963 y 1964, y por las innovaciones de los músicos negros estadounidenses que respondieron a la "invasión británica" con nuevos estilos creativos en centros como Detroit y Memphis. Volvió brevemente a la vista del público con una portada de "Lady Madonna" de los Beatles en 1968, pero por lo demás se contentó con giras infatigables; sus actuaciones se destacaron por la forma en que se mantenían el estilo y el sonido originales de Domino, ofreciendo a los oyentes un vistazo de su música basada en Nueva Orleans en su forma más pura. Se convirtió en un exitoso integrante de los casinos de Nevada, realizó varias giras por Europa (donde siempre había gozado de una inmensa popularidad) a finales de los años setenta y ochenta, y en 1993 publicó un álbum de vacaciones, "Christmas Is a Special Day". Afirmó que no iba a volver, ya que nunca había dejado de actuar.

Los merecidos honores comenzaron a fluir a su paso, después de más de 20 discos de oro; fue admitido en el Salón de la Fama del Rock and Roll, 1986; Premio Grammy a la Trayectoria, 1987; Premio Pionero de la Fundación del Ritmo y el Blues, 1995; Medalla Nacional de las Artes, 1998.

Pocos músicos han hecho que la buena música suene tan fácil y sin esfuerzo como Fats, y eso se aprecia mejor en una recopilación exhaustiva, como el conjunto de cajas "Walking to New Orleans" (EMI 2002), porque el alcance de los logros de Fats sólo es impresionante a esta escala. Claro, es fácil apreciar la brillantez de Domino en una colección de éxitos, pero el verdadero alcance de sus logros se hace evidente en un set como este, ya que no hay un mal corte entre estas 100 canciones. Esta es una compilación de sus legendarias grabaciones imperiales.

Fats Domino en 2005 volvió a tener prominencia internacional tras el huracán Katrina. Se negó a dejar su casa en el Lower Ninth Ward de Nueva Orleans y fue listado como desaparecido y presunto muerto. Fue rescatado y enviado a un refugio y se reunió con su familia, pero perdió todo en su casa. Pero Fats volvería.

Fats Domino fue el primer artista que se anunció como programado para actuar en el Festival de Jazz y Patrimonio de 2006, aunque estaba demasiado enfermo para actuar y sólo pudo ofrecer al público un saludo en el escenario. Domino también lanzó un álbum "Alive and Kickin'" a principios de 2006 a beneficio de la Fundación Tipitina, que apoya a los músicos locales indigentes.

Fats Domino regresó al escenario el 19 de mayo de 2007 en Tipitina's en Nueva Orleans actuando a sala llena. Se ha formado una fundación y se está planeando un espectáculo para Domino y la restauración de su casa. Ese mismo año se lanzó un doble cd "Goin' Home A Tribute to Fats Domino", cuyos beneficios se destinarán a ayudar a Fats.

¡Fats Domino es una leyenda viviente! Hay una estatua de tamaño natural de él en el barrio francés de Nueva Orleans, donde es reconocido y respetado por su contribución a la música durante más de medio siglo.

 James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/fatsdomino

Traducción realizada con la versión gratuita del traductor www.DeepL.com/Translator

Nota:
Domino murió el 24 de octubre de 2017, en su casa de Harvey, Louisiana, a la edad de 89 años, por causas naturales, según la oficina del forense.
El 25 de junio de 2019, la revista The New York Times Magazine incluyó a Fats Domino en la lista de cientos de artistas cuyo material, según se informa, fue destruido en el incendio de Universal en 2008.

Champion Jack Dupree • Blues From the Gutter

 Born William Thomas Dupree, 4 July 1910, New Orleans, (Dupree's birth date is the matter of some conjecture and is sometimes listed as 23 July 1909). Orphaned in infancy, Dupree was raised in the Colored Waifs Home for Boys until the age of 14. After leaving, he led a marginal existence, singing for tips, and learning piano from musicians such as Willie “Drive-'em-down” Hall. Dupree also became a professional boxer, and blended fighting with hoboing throughout the 30s, before retiring from the ring in 1940, and heading for New York. Initially, he traveled only as far as Indianapolis, where he joined with musicians who had been associates of Leroy Carr. Dupree rapidly became a star of the local black entertainment scene, as a comedian and dancer as well as a musician. He acquired a residency at the local Cotton Club, and partnered comedienne Ophelia Hoy.

In 1940, Dupree made his recording debut, with music that blended the forceful, barrelhouse playing and rich, Creole- accented singing of New Orleans with the more suave style of Leroy Carr. Not surprisingly, a number of titles were piano/guitar duets, although on some, Jesse Ellery's use of amplification pointed the way forward. A few songs covered unusual topics, such as the distribution of grapefruit juice by relief agencies, or the effects of drugs.

Dupree's musical career was interrupted when he was drafted into the US Navy as a cook; even so he managed to become one of the first blues singers to record for the folk revival market while on leave in New York in 1943. Dupree's first wife died while he was in the navy, and he took his discharge in New York, where he worked as a club pianist, and formed a close musical association with Sonny Terry and Brownie McGhee.

His own post-war recording career commenced with a splendid series of solo recordings for Joe Davis, on some of which the influence of Peetie Wheatstraw is very evident. More typical were the many tracks with small groups recorded thereafter for a number of labels from 1946-53, and for King Records between April 1953 and late 1955. As ever, these recordings blend the serious with the comic, the latter somewhat tastelessly on songs such as “Tongue Tied Blues” and “Harelip Blues”. “Walking The Blues”, a comic dialogue with Teddy “Mr Bear” McRae, was a hit on King, and the format was repeated on a number of titles recorded for RCA Records' Vik and Groove.

In 1958, Dupree made his last American recordings until 1990; “Blues From The Gutter,” this a magnificent testament to Dupree's barrelhouse background, boasting marvelous readings of “Stack-O-Lee,” “Junker's Blues,” “Frankie & Johnny” and the “Nasty Boogie.” This is considered to be his finest effort and he was able to cruise off its laurels to launch a successful career overseas.

In 1959, he moved to Europe, and lived in Switzerland, England, Sweden and Germany, touring extensively and recording prolifically. There are many reissues and compilations available on a variety of labels to cover this European period. Among these are “Walking the Blues,” for King,(’70) and the outstanding live recording, “Blues at Montreaux”(’73) on Atco that also featured sax great, King Curtis.

Dupree returned to New Orleans in 1990 for his first visit in 36 years. While there, he played the Jazz & Heritage Festival and laid down an album for Bullseye Blues, “Back Home in New Orleans.”

The tracks on the 1993 release “One Last Time” were drawn from Dupree's final recording session before his death the previous year. Champion Jack died from complications of cancer on January 21, 1992.

Source: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com › championjackdupree

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Nacido William Thomas Dupree, 4 de julio de 1910, Nueva Orleans, (la fecha de nacimiento de Dupree es el asunto de algunas conjeturas y a veces se menciona como 23 de julio de 1909). Huérfano en la infancia, Dupree se crió en el Hogar de Niños de Color Waifs hasta la edad de 14 años. Después de irse, llevó una existencia marginal, cantando a cambio de propinas y aprendiendo a tocar el piano con músicos como Willie "Drive-'em-down" Hall. Dupree también se convirtió en boxeador profesional, y mezcló la lucha con el vagabundeo a lo largo de los años 30, antes de retirarse del ring en 1940, y se dirigió a Nueva York. Inicialmente, viajó sólo hasta Indianápolis, donde se unió a músicos que habían sido asociados de Leroy Carr. Dupree se convirtió rápidamente en una estrella de la escena local de entretenimiento negro, como comediante y bailarín, así como músico. Adquirió una residencia en el Cotton Club local y fue socio de la comediante Ophelia Hoy.

En 1940, Dupree hizo su debut discográfico, con una música que mezclaba el poderoso toque de barrelhouse y el rico y acentuado canto criollo de Nueva Orleans con el estilo más suave de Leroy Carr. No es de extrañar que varios títulos fueran dúos de piano/guitarra, aunque en algunos casos, el uso de la amplificación por parte de Jesse Ellery señaló el camino a seguir. Algunas canciones cubrían temas inusuales, como la distribución de jugo de toronja por parte de las agencias de ayuda humanitaria, o los efectos de las drogas.

La carrera musical de Dupree se interrumpió cuando fue reclutado en la Marina de los Estados Unidos como cocinero; aún así, logró convertirse en uno de los primeros cantantes de blues en grabar para el mercado de renacimiento folklórico mientras estaba de permiso en Nueva York en 1943. La primera esposa de Dupree murió mientras él estaba en la marina, y él fue dado de baja en Nueva York, donde trabajó como pianista de club, y formó una estrecha asociación musical con Sonny Terry y Brownie McGhee.

Su propia carrera discográfica de posguerra comenzó con una espléndida serie de grabaciones en solitario para Joe Davis, en algunas de las cuales la influencia de Peetie Wheatstraw es muy evidente. Más típicos fueron los muchos temas con pequeños grupos grabados después para varios sellos entre 1946 y 1953, y para King Records entre abril de 1953 y finales de 1955. Como siempre, estas grabaciones mezclan lo serio con lo cómico, este último un tanto insípido en canciones como "Tongue Tied Blues" y "Harelip Blues". "Walking The Blues", un diálogo cómico con Teddy "Mr Bear" McRae, fue un éxito en King, y el formato se repitió en varios títulos grabados para Vik and Groove de RCA Records.

En 1958, Dupree hizo sus últimas grabaciones en Estados Unidos hasta 1990; "Blues From The Gutter", un magnífico testimonio de los antecedentes de Dupree en el barrelhouse, con maravillosas lecturas de "Stack-O-Lee", "Junker's Blues", "Frankie & Johnny" y el "Nasty Boogie". Este es considerado como su mejor esfuerzo y fue capaz de cruzar los laureles para lanzar una exitosa carrera en el extranjero.

En 1959, se trasladó a Europa y vivió en Suiza, Inglaterra, Suecia y Alemania, donde realizó numerosas giras y grabaciones. Hay muchas reediciones y recopilaciones disponibles en una variedad de etiquetas para cubrir este período europeo. Entre ellos están "Walking the Blues", para King, ('70) y la destacada grabación en vivo, "Blues at Montreaux" ('73) en Atco que también incluía al gran saxofonista King Curtis.

Dupree regresó a Nueva Orleans en 1990 para su primera visita en 36 años. Mientras estaba allí, tocó en el Jazz & Heritage Festival y grabó un álbum para Bullseye Blues, "Back Home in New Orleans".

Los temas del disco "One Last Time" de 1993 fueron extraídos de la última sesión de grabación de Dupree antes de su muerte el año anterior. El campeón Jack murió de complicaciones del cáncer el 21 de enero de 1992.

Fuente: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com ' championjackdupree

Charlie Dennard • Intuitions

Charlie Dennard is an American keyboardist, composer and arranger who is currently the musical director for Cirque du Soleil's "Totem". Over the last 20 years Charlie has performed and recorded internationally with a variety of jazz, blues and world music ensembles as well as theatrical productions. Dennard was a piano student of the legendary Ellis Marsalis at UNO.

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Charlie Dennard es un teclista, compositor y arreglista estadounidense que actualmente es el director musical de "Totem" del Cirque du Soleil. En los últimos 20 años Charlie ha actuado y grabado internacionalmente con una variedad de conjuntos de jazz, blues y música del mundo, así como con producciones teatrales. Dennard fue un estudiante de piano del legendario Ellis Marsalis en la ONU.

www.charliedennard.com ...

Charles Brown • One More For The Road

 

Review by Bill Dahl

One of the first comeback salvos that the veteran pianist fired after suffering the slings and arrows of anonymity for much too long. Typically delectable in a subtle, understated manner, Brown eases through a very attractive program.

https://www.allmusic.com/album/one-more-for-the-road-mw0000199893

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Reseña de Bill Dahl

Una de las primeras salvas de regreso que el veterano pianista disparó después de sufrir las hondas y flechas del anonimato durante demasiado tiempo. Típicamente delicioso de una manera sutil y discreta, Brown se alivia a través de un programa muy atractivo.

https://www.allmusic.com/album/one-more-for-the-road-mw0000199893

Sunnyland Slim Blues Band • Decoration Day

 

Biography
by Bill Dahl
Exhibiting truly amazing longevity that was commensurate with his powerful, imposing physical build, Sunnyland Slim's status as a beloved Chicago piano patriarch endured long after most of his peers had perished. For more than 50 years, the towering Slim had rumbled the ivories around the Windy City, playing with virtually every local luminary imaginable and backing the great majority in the studio at one time or another.

He was born Albert Luandrew in Mississippi and received his early training on a pump organ. After entertaining at juke joints and movie houses in the Delta, Luandrew made Memphis his home base during the late '20s, playing along Beale Street and hanging out with the likes of Little Brother Montgomery and Ma Rainey. He adopted his colorful stage name from the title of one of his best-known songs, the mournful "Sunnyland Train." (The downbeat piece immortalized the speed and deadly power of a St. Louis-to-Memphis locomotive that mowed down numerous people unfortunate enough to cross its tracks at the wrong instant.)

Slim moved to Chicago in 1939 and set up shop as an in-demand piano man, playing for a spell with John Lee "Sonny Boy" Williamson before waxing eight sides for RCA Victor in 1947 under the somewhat misleading handle of "Doctor Clayton's Buddy." If it hadn't been for the helpful Slim, Muddy Waters may not have found his way onto Chess; it was at the pianist's 1947 session for Aristocrat that the Chess brothers made Waters' acquaintance.

Aristocrat (which issued his harrowing "Johnson Machine Gun") was but one of a myriad of labels that Slim recorded for between 1948 and 1956: Hytone, Opera, Chance, Tempo-Tone, Mercury, Apollo, JOB, Regal, Vee-Jay (unissued), Blue Lake, Club 51, and Cobra all cut dates on Slim, whose vocals thundered with the same resonant authority as his 88s. In addition, his distinctive playing enlivened hundreds of sessions by other artists during the same time frame. In 1960, Slim traveled to Englewood Cliffs, New Jersey, to cut his debut LP for Prestige's Bluesville subsidiary with King Curtis supplying diamond-hard tenor sax breaks on many cuts. The album, Slim's Shout, ranks as one of his finest, with definitive renditions of the pianist's "The Devil Is a Busy Man," "Shake It," "Brownskin Woman," and "It's You Baby."

Like a deep-rooted tree, Sunnyland Slim persevered despite the passing decades. For a time, he helmed his own label, Airway Records. As late as 1985, he made a fine set for the Red Beans logo, Chicago Jump, backed by the same crack combo that shared the stage with him every Sunday evening at a popular North side club called B.L.U.E.S. for some 12 years.

There were times when the pianist fell seriously ill, but he always defied the odds and returned to action, warbling his trademark Woody Woodpecker chortle and kicking off one more exultant slow blues as he had done for the previous half century. Finally, after a calamitous fall on the ice coming home from a gig led to numerous complications, Sunnyland Slim died of kidney failure in 1995. He's sorely missed.
https://www.allmusic.com/artist/sunnyland-slim-mn0000490769/biography

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Biografía
por Bill Dahl
Con una longevidad realmente asombrosa, acorde con su poderosa e imponente complexión física, el estatus de Sunnyland Slim como un querido patriarca del piano de Chicago perduró mucho después de que la mayoría de sus compañeros hubieran perecido. Durante más de 50 años, el imponente Slim ha hecho sonar los marfiles de la Ciudad del Viento, tocando con prácticamente todas las luminarias locales imaginables y respaldando a la gran mayoría en el estudio en un momento u otro.

Nació con el nombre de Albert Luandrew en Mississippi y se formó en un órgano de bomba. Después de actuar en bares y cines del Delta, Luandrew hizo de Memphis su base de operaciones a finales de los años 20, tocando en Beale Street y saliendo con gente como Little Brother Montgomery y Ma Rainey. Adoptó su colorido nombre artístico a partir del título de una de sus canciones más conocidas, la lúgubre "Sunnyland Train". (Esta pieza deprimente inmortalizaba la velocidad y la potencia mortal de una locomotora que iba de St. Louis a Memphis y que acribillaba a numerosas personas lo suficientemente desafortunadas como para cruzar sus vías en el instante equivocado).

Slim se trasladó a Chicago en 1939 y se convirtió en un pianista muy solicitado, tocando durante un tiempo con John Lee "Sonny Boy" Williamson antes de grabar ocho canciones para RCA Victor en 1947 bajo el nombre algo engañoso de "Doctor Clayton's Buddy". Si no hubiera sido por el servicial Slim, Muddy Waters podría no haber llegado a Chess; fue en la sesión del pianista para Aristocrat en 1947 cuando los hermanos Chess conocieron a Waters.

Aristocrat (que publicó su desgarrador "Johnson Machine Gun") no fue más que uno de los muchos sellos para los que Slim grabó entre 1948 y 1956: Hytone, Opera, Chance, Tempo-Tone, Mercury, Apollo, JOB, Regal, Vee-Jay (sin publicar), Blue Lake, Club 51 y Cobra grabaron con Slim, cuya voz retumbaba con la misma autoridad resonante que sus 88s. Además, su distintiva forma de tocar animó cientos de sesiones de otros artistas durante el mismo periodo. En 1960, Slim viajó a Englewood Cliffs, Nueva Jersey, para grabar su primer LP para la subsidiaria Bluesville de Prestige, con King Curtis aportando cortes de saxo tenor de gran dureza en muchos cortes. El álbum, Slim's Shout, está considerado como uno de sus mejores, con interpretaciones definitivas de "The Devil Is a Busy Man", "Shake It", "Brownskin Woman" y "It's You Baby" del pianista.

Como un árbol bien enraizado, Sunnyland Slim perseveró a pesar del paso de las décadas. Durante un tiempo, dirigió su propio sello, Airway Records. Ya en 1985, hizo un buen set para el logo de Red Beans, Chicago Jump, respaldado por el mismo combo de crack que compartía el escenario con él cada domingo por la noche en un popular club del lado norte llamado B.L.U.E.S. durante unos 12 años.

Hubo momentos en los que el pianista cayó gravemente enfermo, pero siempre desafiaba a las probabilidades y volvía a la acción, haciendo sonar su característico carrillón de Woody Woodpecker y arrancando un exultante slow blues más, como había hecho durante el medio siglo anterior. Finalmente, tras una calamitosa caída en el hielo al volver de un concierto que le provocó numerosas complicaciones, Sunnyland Slim murió de insuficiencia renal en 1995. Se le echa mucho de menos.
https://www.allmusic.com/artist/sunnyland-slim-mn0000490769/biography

Katie Webster • Deluxe Edition

Review by Michael B. Smith

Katie Webster plays barrelhouse boogie-woogie, New Orleans R&B, Gulf Coast swamp pop, deep bayou blues and Southern gospel-flavored soul like nobody's business; her 35 years of professional piano work has appeared on at least 500 singles, including the original version of "Sea of Love," and countless albums. Music critics and fans around the world acknowledge her as the premier female blues piano player anywhere. Alligator Records' Deluxe Edition collects 15 of her very best tracks from her three albums since 1988, and there isn't a filler track to be found. Webster never once failed to deliver on her sassy and sensuous blend of barrelhouse boogie-woogie. Some of the high points of Deluxe Edition include several duets -- "Love Deluxe" with Vasti Jackson and the classic "Who's Making Love," which finds Kim Wilson (the Fabulous Thunderbirds) and bluesman Robert Cray jamming with the Boogie Queen. Wilson also accompanies Bonnie Raitt and Webster to wail "On the Run." Other standout tracks include her remake of "Sea of Love" and the non-vegetarian "A Little Meat on the Side." "The Love You Save" and "Two Fisted Mama" are sure to go down in the music history books as prime examples of Webster's swamp boogie styles. But perhaps the best cuts of the 15 are the blues-rich vocals and sax of "Try a Little Tenderness," a sure winner, and "Never Let Me Go," a torch-bearing ballad. Alligator's Deluxe Editions are just that -- the best songs by the best artists in their catalog. And Katie Webster ranks right there at the top of that rich list.

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Reseña de Michael B. Smith

Katie Webster toca el boogie-woogie de Barrelhouse, el R&B de Nueva Orleans, el pop de los pantanos de la costa del Golfo, el blues de los pantanos y el soul con sabor a gospel del sur como nadie; sus 35 años de trabajo como pianista profesional han aparecido en al menos 500 singles, incluida la versión original de "Sea of Love", e innumerables álbumes. Los críticos y los fans de la música de todo el mundo la reconocen como la primera mujer pianista de blues en cualquier lugar. La edición de lujo de Alligator Records recoge 15 de sus mejores temas de sus tres álbumes desde 1988, y no hay ni una sola pista de relleno que se pueda encontrar. Webster nunca dejó de ofrecer su descarada y sensual mezcla de boogie-woogie de Barrelhouse. Algunos de los puntos culminantes de la Edición Deluxe incluyen varios dúos -- "Love Deluxe" con Vasti Jackson y el clásico "Who's Making Love", que encuentra a Kim Wilson (los Fabulosos Thunderbirds) y al bluesman Robert Cray improvisando con la Reina del Boogie. Wilson también acompaña a Bonnie Raitt y a Webster a llorar "On the Run". Otros temas destacados incluyen su remake de "Sea of Love" y el no vegetariano "A Little Meat on the Side". "The Love You Save" y "Two Fisted Mama" serán los primeros ejemplos de los estilos de boogie de pantano de Webster en los libros de historia de la música. Pero quizás los mejores cortes de los 15 son las voces y el saxofón de "Try a Little Tenderness", un ganador seguro, y "Never Let Me Go", una balada con antorchas. Las Ediciones de Lujo de Alligator son justamente eso: las mejores canciones de los mejores artistas de su catálogo. Y Katie Webster está en la cima de esa lista de ricos.

Nico Brina • That's My Way [30 Years - The Jubilee Sessions]

 

Perhaps, some might say it is strange to define yourself as a Boogie-Woogie-pianist already as a young boy, but that is what Nico did when he was a knee-high boy. Of course, he needed courage, an extraordinary talent and a certain kind of smartness. When Nico was 8 years old, he found his neighbor's piano and he suddenly fell in love with its magical tone. Furthermore, Nico discovered the world of Rock'n'Roll, lightning fast Boogie-Woogie-rhythms, breathtaking bass lines and shining melodies. He played with his hands and even with his feet. However, in the beginning of his career, Nico needed to be smart; as a kid, he pretended to be sick so that he could stay at home and rehearse instead. As a young musician, after his concerts he played chess against the owners of the clubs to double his salary. It was all or nothing. Later, not even angry neighbours could stop Nico Brina's career. Once, a neighbour threw a chair into Nico's window because he had enough of Nico's everlasting rehearsals. All that the police then said, was; "Don't mess around with a pianoman". Nico took this quote and wrote a song about this incident.

After some time, Nico added the Blues to his repertoire, and this was like the missing link to finally define his own unique sound. He travelled around and he played his Boogie-Woogie-driven Blues music almost anywhere in the world. He played in Europe, in the Caribbean, in Kazakhstan, in Singapore... - and he even won several awards such as the "Prix Walo" (1995), the "Guinness Book of World Records" title for the fastest Boogie-Woogie ever (1996) and he got a nomination from the "Preis der Deutschen Schallplattenkritik" for his album "Flight 6024" (Category Blues 2014).

It has been 36 years since the journey started. More than 3'000 shows in 19 different countries, more than 1'00'000 km on the road, 18 albums, one LP, one DVD and four singles.

Nico still feels happiness when he plays his piano - just like a child playing its first note. There is magic, when he combines his talent, his power and his musical wit. It is this mixture that makes the entertainer become an artist. Brina is a wizard, maybe a fool, but he shows us where passion can lead us. His BBB-combination - Boogie & Blues & Brina - is like a drug, but without any side effects.
Text by Richard Köchli
http://www.brina.ch/start/

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Tal vez, algunos podrían decir que es extraño definirse como un Boogie-Woogie-pianista ya de joven, pero eso es lo que Nico hizo cuando era un niño de la altura de la rodilla. Por supuesto, necesitaba coraje, un talento extraordinario y una cierta clase de inteligencia. Cuando Nico tenía 8 años, encontró el piano de su vecino y de repente se enamoró de su tono mágico. Además, Nico descubrió el mundo del Rock'n'Roll, los rápidos ritmos del Boogie-Woogie, las impresionantes líneas de bajo y las brillantes melodías. Tocaba con sus manos e incluso con sus pies. Sin embargo, al principio de su carrera, Nico necesitaba ser inteligente; de niño, fingía estar enfermo para poder quedarse en casa y ensayar en su lugar. Como joven músico, después de sus conciertos jugaba al ajedrez contra los dueños de los clubes para doblar su salario. Era todo o nada. Más tarde, ni siquiera los vecinos enfadados pudieron detener la carrera de Nico Brina. Una vez, un vecino tiró una silla a la ventana de Nico porque estaba harto de los eternos ensayos de Nico. Todo lo que la policía dijo entonces, fue: "No te metas con un pianoman". Nico tomó esta cita y escribió una canción sobre este incidente.

Después de un tiempo, Nico añadió el Blues a su repertorio, y esto fue como el eslabón perdido para definir finalmente su propio y único sonido. Viajó por todo el mundo y tocó su música de Blues impulsado por el Boogie-Woogie en casi cualquier lugar del mundo. Tocó en Europa, en el Caribe, en Kazajstán, en Singapur... - e incluso ganó varios premios como el "Prix Walo" (1995), el título del "Libro Guinness de los Records Mundiales" por el Boogie-Woogie más rápido de la historia (1996) y obtuvo una nominación del "Preis der Deutschen Schallplattenkritik" por su álbum "Flight 6024" (Categoría Blues 2014).

Han pasado 36 años desde que comenzó el viaje. Más de 3'000 espectáculos en 19 países diferentes, más de 1'00'000 km en la carretera, 18 álbumes, un LP, un DVD y cuatro singles.

Nico todavía siente felicidad cuando toca el piano, como un niño tocando su primera nota. Hay magia cuando combina su talento, su poder y su ingenio musical. Es esta mezcla la que hace que el artista se convierta en un artista. Brina es un mago, tal vez un tonto, pero nos muestra a dónde nos puede llevar la pasión. Su combinación de BBB - Boogie & Blues & Brina - es como una droga, pero sin efectos secundarios.
Texto de Richard Köchli
http://www.brina.ch/start/

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